15 фэшн-фотографов, которых стыдно не знать

Если у модной фотографии есть образ «классической мечты», то его придумал именно Патрик Демаршелье. Француз, который в 1970-х переехал в Нью-Йорк и практически сразу стал своим в американской модной индустрии. Его снимки — это свет, легкость и естественность. На них даже королевские особы выглядят не как статуи, а как живые женщины. Именно он прославился как «любимый фотограф Дианы, принцессы Уэльской» — и эти кадры до сих пор считаются одними из самых человечных портретов леди Ди.

Демаршелье умел находить золотую середину между глянцем и интимностью. Его героини выглядели не «отфотошопленными идеалами», а женщинами, в которых можно было влюбиться: слегка растрепанными, смеющимися, с живым взглядом. Он работал для Vogue, Harper’s Bazaar, Dior, Chanel и десятков других брендов, а его стиль стал эталоном «вечной классики».

Самое удивительное в его фотографии — это способность одновременно быть и роскошной, и абсолютно доступной. Снимки Демаршелье кажутся простыми, но именно в этой «простоте» и кроется магия: правильный свет, тонкая эмоция, отсутствие избыточности. Он снимал так, что на секунду забываешь о платье от Dior или Cartier на модели — и видишь именно человека.

Энни Лейбовиц

Энни Лейбовиц — это, пожалуй, самый громкий голос в модной и портретной фотографии последних десятилетий. У нее есть дар превращать кадр в целую историю: один снимок у Лейбовиц способен заменить сценарий фильма. Именно она создала иконический портрет Джона Леннона и Йоко Оно — за несколько часов до того, как музыканта не стало. С тех пор ее фотографии всегда ассоциируются с чем-то большим, чем просто картинка: они становятся символами эпохи.

Она пришла в индустрию через журналистику — начинала в Rolling Stone, снимая рок-звезд без прикрас. И эта честность осталась с ней навсегда. Даже когда Энни работает с голливудскими актрисами или для Vogue, в ее кадрах есть уязвимость и правда. Она не боится показывать морщины, эмоции или напряжение — и именно поэтому звезды доверяют ей самое личное.

В моде Лейбовиц тяготеет к театральности: ее образы напоминают постановки на стыке фотографии, живописи и театра. Сказочные сюжеты с Натали Портман или Кирой Найтли, драматичные групповые портреты актеров, кадры, где ткань и свет работают как вторые герои. Но за всей этой визуальной пышностью всегда остается главное — личность в кадре.

Стивен Мейзель

Стивен Мейзель — человек, который превратил модную фотографию в театр с бесконечным количеством актов. Его работы — это не просто съемки одежды, а тщательно продуманные постановки, где каждая деталь имеет значение: от изгиба руки модели до текстуры фона.

Мейзель прославился благодаря сотрудничеству с итальянским Vogue и своей уникальной способности снимать обложку за обложкой, каждая из которых становилась событием. Он любит играть с провокацией, но никогда не ради скандала — скорее ради эксперимента и поиска новых смыслов. Вспомнить хотя бы легендарный номер Black Issue (2008), где он снял исключительно моделей с темным цветом кожи, или Rehab Issue (2007), где мода сочеталась с социальной сатирой.

В карьере Мейзела есть еще один ключевой момент: именно он «открыл» множество топ-моделей 90-х. На его съемках засияли Линда Евангелиста, Наоми Кэмпбелл, Кристи Тёрлингтон и многие другие. Недаром индустрия шутит: «Если Мейзель тебя снимает — значит, ты уже звезда».

Его стиль — драматичный, графичный и всегда безупречно выстроенный. Он не боится чрезмерности: чрезмерных эмоций, яркого макияжа, экспрессивных поз. Но именно в этом и заключается магия Мейзела — он умеет превращать моду в искусство, а кадр в культурный манифест.

Ли Миллер

Ли Миллер — одна из тех фигур, чья биография сама по себе звучит как роман. Начав карьеру моделью у самого Мана Рэя, она быстро оказалась по другую сторону камеры и вошла в историю как фотограф, которая умела соединять красоту и документальность.

Ее путь в модной фотографии начался с сюрреализма: в кадрах Миллер всегда есть странность, игра с перспективой, неожиданный поворот, который делает образ не просто красивым, а живым и чуть тревожным. Но ее талант не ограничивался модой. Ли Миллер вошла в историю и как военный фотокорреспондент: ее снимки освобожденных лагерей и разрушенных городов Второй мировой войны стали важнейшими свидетельствами эпохи.

Тем не менее именно в моде она умела показать женщину новой — сильной, независимой, загадочной. На ее фото всегда чувствуется свобода, нежелание следовать навязанным рамкам. И в этом, пожалуй, кроется главный секрет ее наследия: Ли Миллер снимала не одежду, а дух времени.

Интересный факт: в 2023 году вышел биографический фильм о Ли Миллер под названием «Великая», где главную роль сыграла Кейт Уинслет. За эту работу актриса получила номинацию на «Золотой глобус». А уже в 2024 Алекс Гарленд представил антиутопическую картину «Падение империи», сюжет которой строится вокруг военных корреспондентов. Главную героиню там сыграла Кирстен Данст, и ее персонаж-фотокорреспондент носит имя Ли — дань памяти легендарной фотокорреспондентке Ли Миллер.

Тим Уокер

Тим Уокер — один из тех фотографов, чьи работы невозможно спутать с чьими-то еще. Его называют главным сказочником модной фотографии, и это определение звучит абсолютно справедливо. Каждая съемка Уокера похожа на портал в параллельный мир: фантазийный, абсурдный, гипертрофированный, но при этом трогательный и по-детски наивный.

Он вырос в Англии, вдохновляясь фильмами Федерико Феллини и картинами сюрреалистов, и это влияние до сих пор угадывается в его постановках. В кадрах Уокера часто появляются гигантские объекты, театральные декорации, куклы в человеческий рост, живые животные и почти всегда — ощущение чуда, которое вот-вот произойдет.

В начале 2000-х его работы начали регулярно появляться в Vogue, и с тех пор имя Уокера прочно связано с высокой модой. Он сотрудничал с Alexander McQueen, Comme des Garçons, Valentino и другими брендами, но в каждом проекте сохранял собственный голос. Его снимки — это не просто реклама одежды, а полноценные визуальные истории, где платье или костюм становится частью целой вселенной.

Особое внимание Тим уделяет ручной работе: он предпочитает строить декорации и создавать миры физически, а не дорисовывать их в фотошопе. Благодаря этому его фотографии кажутся «живыми» и осязаемыми, а зритель словно может войти внутрь кадра.

Говоря о Тимe Уокере, стоит помнить: он не просто фотограф, а настоящий режиссер модных снов. Его снимки вдохновляют дизайнеров, моделей и зрителей уже не одно десятилетие — и будут вдохновлять дальше, ведь в его мире фантазия всегда главнее реальности.

Ричард Аведон

Ричарда Аведона называют человеком, который «оживил» моду в кадре. До него фотография в глянце была статичной и безэмоциональной: модели стояли, как манекены, демонстрируя платье. Аведон первым заставил их двигаться, смеяться, бежать по улице, танцевать под музыку. Его снимки наполнились жизнью и стали похожи на мгновенно пойманные кадры из фильма.

Он работал с Dior и Versace, снимал Одри Хепбёрн, Мэрилин Монро и Битлз, а его культовый портрет Довимы со слонами 1955 года до сих пор считается квинтэссенцией модной фотографии XX века. Аведон доказал: мода — это не только про одежду, но и про эмоции, атмосферу и историю, которую она может рассказать.

Хельмут Ньютон

Хельмут Ньютон вошел в историю как главный провокатор модной фотографии. Его снимки были дерзкими, откровенными и сексуальными в ту эпоху, когда это считалось вызовом. Для Vogue, Yves Saint Laurent и Chanel он создавал образы женщин не как утонченных муз, а как властных и независимых героинь, способных командовать миром.

Его стиль легко узнать: контрастный черно-белый свет, напряженная поза, взгляд, от которого невозможно оторваться. Ньютон не боялся табу и смешивал моду с эротикой, превращая каждый кадр в манифест женской силы. Именно поэтому его до сих пор называют революционером, который изменил представление о том, как должна выглядеть женщина в журнале.

Марио Тестино

Марио Тестино — фотограф, которому удалось поймать самую легкую и радостную сторону моды. Его работы всегда полны солнца, смеха и непринужденного шика. Он снимал для Gucci, Burberry, Dolce & Gabbana, но прославился еще и портретами знаменитостей: от принцессы Дианы до Бейонсе.

Фирменный прием Тестино — ощущение, что в кадре нет постановки. Даже если модель в кутюрном платье, она смеется, шутит, расслабленно позирует. Именно эта «живая гламурность» сделала его одним из самых востребованных фотографов в мире. У Тестино мода выглядит не как недосягаемая мечта, а как праздник, в котором хочется участвовать.

Брюс Уэбер

Брюс Уэбер — один из тех, кто превратил моду в визуальную поэзию о молодости и свободе. Его фотографии — это солнечные пляжи, американские кампусы, вечеринки у костра и образы людей, которые выглядят настоящими, а не «глянцевыми» героями. Он вышел за рамки постановочной фотографии: модели у него двигаются, смеются, играют с собаками или плавают в реке — и все это выглядит как кадры из жизни, пойманные на лету.

В 80–90-х Уэбер сформировал новый язык рекламной фотографии. Его кампании для Calvin Klein стали революцией: белые футболки, джинсы, обнаженные тела — и при этом никакой вычурности. Он работал с Ralph Lauren, Versace, Abercrombie & Fitch, снимая так, что сами бренды становились синонимом молодости и сексуальной энергии.

Отдельный пласт его творчества — культ телесности. Уэбер считал тело не объектом, а источником силы и красоты. Он воспевал мужскую мускулатуру так же, как женскую грацию, разрушая стереотипы. Его влияние видно и в кино: эстетика рекламных роликов Calvin Klein во многом определила визуальный стиль Голливуда 90-х.

Херб Ритц

Херб Ритц начинал в Калифорнии и навсегда сохранил в своих снимках дух океана, солнца и чистоты линий. Он стал мастером черно-белой фотографии, где каждая деталь выверена и доведена до идеала. Его умение работать со светом было уникальным: он превращал человеческое тело в архитектуру, в скульптуру, где изгибы и тени складывались в графическую композицию.

Ритц работал с легендарными супермоделями 90-х: Наоми Кэмпбелл, Синди Кроуфорд, Клаудией Шиффер. Его снимки не просто рекламировали одежду — они формировали образ эпохи, где красота ассоциировалась с естественной сексуальностью и силой. Один из самых знаменитых кадров — «Фред с шинами» (1984): портрет мужчины, прислонившегося к автомобильным шинам. Снимок мгновенно стал символом новой эстетики мужественности, чувственной и одновременно мощной.

Его работы появлялись в Vogue, Vanity Fair, Rolling Stone. Он снимал Мадонну, принцессу Диану, Ричарда Гира — и всегда показывал их простыми, земными, но при этом невероятно красивыми. Херб Ритц оставил наследие минимализма, который не устаревает, потому что основан на классике — свете, форме и балансе.

Питер Линдберг

Питер Линдберг был фотографом, который буквально изменил представление о моде. В эпоху, когда журналы гнались за гламуром, блеском и постановочными кадрами, он выбирал простоту и правду. Его любимый прием — черно-белая съемка с естественным светом, без ретуши и тяжелого макияжа.

Линдберг считал, что главная сила женщины не в безупречных чертах лица, а в ее индивидуальности. Его кадры часто напоминают кино: модели сидят на скамейках, смеются, курят, смотрят вдаль — и ты веришь, что перед тобой живая история, а не выстроенная картинка.

В 1988 году он снял первую обложку американского Vogue под руководством Анны Винтур, а в 1990 — легендарную обложку для британского Vogue с Наоми Кэмпбелл, Линдой Евангелистой, Кристи Тёрлингтон, Синди Кроуфорд и Татьяной Патиц. Этот снимок стал рождением феномена «супермоделей». Линдберг не просто фотографировал женщин — он создавал мифологию, где красота и характер были неразделимы.

Он работал с Prada, Dior, Louis Vuitton, но всегда оставался верен себе. Даже снимая Монику Беллуччи или Николь Кидман, он избегал глянцевой идеализации, показывая эмоции и глубину. Его наследие до сих пор вдохновляет: в эпоху фильтров и фотошопа работы Линдберга напоминают, что красота в честности.

Паоло Роверси

Паоло Роверси — это фотограф-романтик, который превратил моду в сон. Его работы легко узнать: мягкий рассеянный свет, размытые силуэты, приглушенные тона, словно кадры сняты не на цифровую камеру, а на старинный фотоаппарат. И действительно, Роверси остается верен аналоговой фотографии и полароиду большого формата, который позволяет добиваться особой глубины и атмосферы.

Он родился в Италии, но в 70-е переехал в Париж, где вскоре стал снимать для Elle, Marie Claire, Vogue Italia. Его фотографии часто называют «визуальной поэзией»: модели у него не позируют, а будто парят во времени и пространстве. Одежда в его кадрах становится не предметом, а частью истории.

Один из культовых проектов Роверси — календарь Pirelli 2020 «В поисках Джульетты», где он сделал ставку на классику: актрисы, включая Кристен Стюарт, Эмму Уотсон и Клэр Фой, перевоплотились в героинь Шекспира. Это был не просто модный календарь, а театральное действо, снятое с той же деликатностью, с какой он всегда подходит к портрету.

Главный секрет Роверси — внимание к внутреннему миру модели. Он говорил: «Меня не интересует красота сама по себе, я ищу душу». И именно поэтому его снимки не стареют: в них больше чем мода, в них всегда есть история о человеке.

Дэвид Бэйли

Если Роверси — это романтика, то Дэвид Бэйли — энергия и дерзость. Его карьера началась в 60-х в Лондоне, когда мир накрыла «свингующая» революция. Именно Бэйли стал летописцем этой эпохи: он снимал принцессу Диану, Джин Шримптон, Мика Джаггера, Дэвида Боуи, Кейт Мосс — всех, кто определял стиль Британии.

Бэйли сделал фотографии быстрыми, резкими, почти «репортажными». Он отвергал академичность и любил спонтанность. Его кадры — это искра момента, а не тщательно выстроенная композиция. Именно поэтому его называют «рок-звездой фотографии»: он дружил с музыкантами, актерами, моделями, и его объектив всегда ловил живую энергию.

В 1973 году он снял фильм «Человек, который упал на Землю» с Дэвидом Боуи, а позже создавал рекламные кампании для Yves Saint Laurent, Versace и других. Но главное — он сделал моду ближе к реальности. В его кадрах модели выглядели людьми, а не идеальными манекенами.

Интересный факт: именно Бэйли стал вдохновением для героя фильма «Фотоувеличение» Антониони, культовой картины о фотографе, чья работа оказалась связана с тайной.

Стивен Кляйн 

Стивен Кляйн — пожалуй, самый провокационный в этом списке. Его фотографии часто шокируют: это смесь моды, эротики и сюрреализма. Кляйн начинал как художник, и это чувствуется: его снимки — как картины с мощным драматизмом. Он сотрудничал с Vogue, W Magazine, Interview, а также создавал кампании для Alexander McQueen, Dolce & Gabbana, Louis Vuitton.

Особенно известны его съемки с поп-звездами. С Мадонной он работал еще в 90-х и продолжает работать по сей день: клипы, фотосессии, рекламные кампании — все они дышат дерзостью и откровенностью. С Леди Гагой он создавал целые мрачные миры, где реальность и фантазия переплетались.

В кадрах Кляйна много театральности: яркий свет, тени, постановочные сцены, часто напоминающие фильмы ужасов или нуар. Его любят за то, что он не боится показывать моду в экстремальном контексте — с кровью, масками, цепями, оружием. Для кого-то это эпатаж, но для индустрии — важный контраст к «глянцевой» картинке.

Он говорит: «Мода должна разрушать границы. Если она только украшает, это скучно». И именно поэтому Кляйн остается одним из самых обсуждаемых фотографов современности.

Надя Ли Коэн

Надя Ли Коэн — имя, которое уже невозможно обойти стороной, когда речь заходит о современной модной фотографии. А ведь ей всего 32 года! Британка, выросшая в графстве Эссекс, с детства тянулась к кино, культуре телевидения и поп-арта, и именно этот коктейль позже определил ее визуальный стиль. Ее снимки часто сравнивают с кадрами из фильмов Дэвида Линча или Гаса Ван Сента: гипертрофированная яркость, тревожная чувственность и атмосфера одновременно привлекательная и слегка пугающая.